Il Trio di Parma si è costituito nel 1990 in seno al Conservatorio “Arrigo Boito”, dove i suoi componenti si sono diplomati con il massimo dei voti, la lode e la menzione d’onore, perfezionandosi poi con il Trio di Trieste presso l’Accademia Chigiana di Siena e alla Scuola di Musica di Fiesole.

Il Trio ha ottenuto i riconoscimenti più prestigiosi con le affermazioni al Concorso Internazionale “Vittorio Gui” di Firenze, al Concorso Internazionale di Musica da Camera di Melbourne (Australia) e al Concorso Internazionale della ARD di Monaco. Nel 1994, inoltre, l’Associazione Nazionale della Critica Musicale gli ha assegnato il “Premio Abbiati” quale miglior complesso cameristico.

Il Trio di Parma è stato invitato dalle più importanti istituzioni musicali in Italia e all’estero: Accademia di S. Cecilia di Roma, Società del Quartetto di Milano, Amici della Musica di Firenze, Unione Musicale di Torino, Gran Teatro La Fenice di Venezia, Filarmonica di Berlino, Wigmore Hall di Londra, Konzerthaus di Vienna, Musikhalle di Amburgo, Lincoln Center di New York, Teatro Coliseo di Buenos Aires, Dublino, Dresda, Varsavia, San Pietroburgo, Washington, Rio de Janeiro, San Paolo, Santiago del Cile, Adelaide.

Vanta collaborazioni con importanti musicisti quali Vladimir Delman, Carl Melles, Pavel Vernikov, Bruno Giuranna, Cecilia Gasdia e ha partecipato a numerose registrazioni radiofoniche e televisive per la RAI e per diverse emittenti estere (Bayerischer Rundfunk, NDR, WDR, MDR, Radio Bremen, ORT, ABC-Classic Australia). Ha inoltre inciso i tre Trii di Brahms per l’UNICEF e l’integrale dei Trii di Beethoven per la rivista musicale Amadeus.

Il Trio di Parma tiene i corsi strumentali e di musica da camera alla Scuola Superiore Internazionale di Musica da Camera di Duino e all’Accademia Musicale del Teatro Cinghio di Parma.

Ivan Rabaglia, violino - Enrico Bronzi, violoncello

Alberto Miodini, pianoforte

NOTE AL PROGRAMMA di Alberto Miodini

Il brano posto all’inizio del concerto a guisa di prologo, il Clair de lune di Debussy, è tratto dalla Suite Bergamasque per pianoforte solo, scritta tra il 1890 e il 1905. Come la pittura degli impressionisti, la musica di Debussy è spesso ispirata en plein air; non vuole per questo essere descrittiva ma, come ebbe a dire lo stesso Debussy, “una simpatetica trasposizione di ciò che è invisibile in natura”. “La musica” scrisse “è una misteriosa forma della matematica i cui elementi derivano dall’Infinito. La musica è l’espressione del movimento dell’acqua, il gioco di curve disegnato dal cambio di direzione del vento. Non c’è nulla di più musicale di un tramonto”.

La composizione della Sonata per violino e pianoforte, ultima opera cameristica di Ravel, è frutto di cinque anni di lavoro, dal 1922 al 1927. Fu eseguita per la prima volta dal violinista Georges Enesco e da Ravel stesso il 30 Maggio 1927 alla Salle Erard di Parigi. Capolavoro di architettura sottilissima, la Sonata è caratterizzata da una trasparenza di scrittura che è tratto tipico dell’ultimo Ravel, il quale ottiene la fusione dei due strumenti, quasi per assurdo, valorizzandone le singole peculiarità e mantenendoli spesso su due piani nettamente distinti, come ad esempio nel primo movimento, il più elaborato e sviluppato dei tre. Il secondo movimento è una stilizzazione nostalgica del blues, mentre il moto perpetuo conclusivo è un turbinio virtuosistico che ricorda il finale del Quartetto del 1902.

“Per amore della difficoltà” Ravel decise di scrivere nell’aprile del 1920 una Sonata per violino e violoncello, un paio d’anni dopo aver composto un breve Duo per la stessa combinazione strumentale, quale contributo ad un vasto Tombeau de Claude Debussy cui contribuirono, tra gli altri, Stravinsky, Dukas, Malipiero, Bartòk e Satie. La Sonata, significativamente dedicata a Debussy, lo impegnò sino al Febbraio 1922 e per molto tempo non venne pienamente compresa, a partire proprio dalla violinista Hélène Jourdan-Morhange che ne fu la prima esecutrice e che si domandava perché “Ravel facesse suonare al violoncello la parte di un flauto e al violino quella di un tamburo”. Anche la critica del tempo non seppe scorgere in questo enigmatico capolavoro la poesia che si cela dietro dissonanze e virtuosismi diabolici, glaciali limpidezze, registri inconsueti, crudezze armoniche e frequente uso della politonalità.

Allo scoppio della Prima Guerra Mondiale Ravel, riformato per ragioni di salute, si arruola volontario. Sta componendo un Trio per pianoforte, violino e violoncello ed è interessato a terminare il lavoro prima di andare al fronte, lasciando compiuta quella che potrebbe essere la sua ultima opera. Terminato nell’Agosto del 1914, il trio si caratterizza per il vivissimo senso della costruzione musicale, quasi una proiezione sonora di quell’esprit de gèometrie tanto pazientemente perseguito dall’autore, senza tuttavia escludere i valori dell’invenzione melodica e la varietà del linguaggio armonico. Nel Trio egli rivela una libertà creativa che punta sulla raffinatezza della scrittura strumentale e sull’inesauribile gioco timbrico. Ad un primo movimento basato su una combinazione ritmica di origine basca fa seguito quello che potrebbe essere definito uno scherzo il cui titolo “Pantoum” fa riferimento ad una forma poetica malese utilizzata, tra gli altri, da Victor Hugo per Les orientales e da Baudelaire in Harmonie du soir. Nel terzo movimento Ravel recupera l’antica forma della passacaglia: al tema principale, affidato al registro grave del pianoforte, fa seguito una serie di nove variazioni. Il Finale conclude l’opera in una girandola di colori festosi in cui gli archi, con trilli e figurazioni brillanti, fanno da sfondo alle sortite del pianoforte.

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